Artista, gestor cultural y archivero de la ciudad de Valparaíso. Su producción se desarrolla en torno a la música experimental, el paisaje sonoro, la improvisación electroacústica y el arte sonoro, focalizando sus investigaciones en las dimensiones estéticas y sociopolíticas del sonido y la escucha. En Sudamérica ha viajado por Argentina, Perú, Ecuador, Bolivia y en Europa por España, Polonia, Francia y Portugal realizando presentaciones en directo, performances, obras experimentales e investigando y recopilando sonidos de los territorios. En Chile es parte del Colectivo NO, proyecto de improvisación ruidista. En España es miembro de LAANG, cuarteto madrileño de electrónica Ambient. Trabaja como Director de SÓNEC: Sonoteca de Música Experimental y Arte Sonoro. Es diplomado en Arte Sonoro por la Universidad de Chile y Máster en Composición Electroacústica y con Nuevos Medios del Centro Superior de Música Katarina Gurska. Madrid, España.
Colaborador: Dr. Francisco Parada - Neurociencias UDP
"Busco Espacio" es una obra interdisciplinaria que explora la relación entre sonido, espacio y cuerpo mediante una experiencia inmersiva análoga. La pieza está diseñada en torno a estaciones sonoras distribuidas en el espacio, que se completan con la performance/composición en vivo de Valentina. Estas estaciones utilizan loops en tiempo real para crear una textura sonora envolvente que se adapta a las características físicas del lugar, como las dimensiones, altura y materialidad. La música de la obra incorpora sintetizadores, viola, loops, voz y efectos analógicos, creando una atmósfera multisensorial que envuelve a los asistentes en un ritmo pausado y atemporal.
Nico Espinoza (Curicó, Chile, 1986) es un artista sonoro, compositor e investigador radicado en Lisboa. Su trabajo explora tensiones entre abstracción universal y experiencia local presentes en discursos sobre cognición, ecología y tecnología, utilizando prácticas situadas y metodologías de investigación artística mediada por el sonido. Sus obras han sido exhibidas en Austria, Australia, Brasil, Alemania, Portugal, España, Suiza y el Reino Unido, con participaciones destacadas en festivales como la Art Basel, Ars Electronica, BoCA Biennial of Contemporary Arts y Lisboa Soa. Posee una maestría en Estudios Sonoros y Artes Sonoras de la Universität der Künste Berlin (UdK Berlin) y un máster en Electrónica de la Universidad Técnica Santa María.
Más que proponer una pieza, propongo realizar un ejercicio de exploración del estanque enterrado. Pienso en este ejercicio como un gesto de "sounding", palabra que en inglés encapsula todas mis intenciones, hacer un sonido de una cierta situación y sondear un territorio o un cuerpo de agua, cuerpo de agua que en este caso existe como una posibilidad y una memoria.
Luciano Piccilli (Misiones, AR, 1991). Artista sonoro y Diseñador de Imagen y Sonido (UBA). Realizó la Diplomatura en Música Expandida (UNSAM) y la Especialización en Arte Sonoro (UNTREF). Es autor del videojuego experimental Montaña Azul (VR), ganador del 1er Premio en la Bienal de Diseño de la UBA (2017) y 3er Premio en EVA (2018). El sonido, la memoria y el territorio son constantes conceptuales en su trabajo. A través del desarrollo de dispositivos tecno poéticos aborda la intervención de sitio específico poniendo en tensión materialidades y espacios vinculados a lo afectivo, donde lo sonoro ocupa un lugar fundamental. Ha participado en exhibiciones en Argentina, Perú, Colombia, Uruguay, Estados Unidos, España, Portugal e India. Actualmente integra el grupo de investigación Espacios del Arte Sonoro (UNTREF) y es becario del programa de arte, ciencia y tecnología Presente Continuo (Fundación Williams). Trabaja como Realizador Audiovisual en cine y televisión.
"Chaparrón" es una pieza que formó parte del programa de investigación en Arte y Ciencia "Proyecto Tanque" (2019), surgido de la interacción entre la Universidad de San Martín y de la Plata, en el que se estudia la acústica de sitios específicos, convocando artistas de diversas disciplinas para la creación de obra. El Tanque fue el depósito de combustible utilizado en los ferrocarriles argentinos en la década del 90. El programa fue dirigido por el Ingeniero en Acústica Gustavo Basso. Este proyecto intenta plantear la idea de la fragilidad de la escucha en vinculación con la fragilidad de la memoria del territorio.
Delight Lab es un estudio de arte, música, diseño y experimentación que usa como materias primas la luz, la poesía, el sonido y el espacio. Sus intervenciones, acciones, performances y obras principalmente buscan generar un espacio de reflexión. En muchos casos contemplación vinculadas a injusticias y conflictos en torno a temáticas medioambientales, políticas y sociales. La estética que les caracteriza principalmente opera desde un orden minimalista, efímero, fantasmagórico y de site specific. La mayoría de su trabajo lo han realizado en el espacio público y en la naturaleza. Estos últimos años han desarrollado conciertos audiovisuales, donde han realizado música original y también colaborado con otros artistas. Destacando Horizontes en Fuga concierto en observatorio ALMA, del cual lanzaron su primer disco por el sello Pueblo Nuevo, los conciertos Phases, concierto La nostalgia de lo inconmensurable y Volcánica. Delight Lab está conformado por Andrea Gana & Octavio Gana e invitados.
Pieza sonora creada por Andrea Gana y Octavio Gana. Hacemos una pieza sonora que pueda funcionar como instalación pero luego nos interesa hacer una activación en vivo donde prima la improvisación. Andrea explora sonidos de registro de campo sonoro y mezclas en ableton live, sintetizadores análogos y digitales. Tocá el instrumento Euphonic, que se toca mediante la fricción con agua para generar sonidos de vibración sonora (instrumento que también se puede percutir) y gong. Octavio toca piano, sintetizador y gong. En este caso específico nos interesa explorar el agua, desde sonidos que evoquen la sensación de profundidad, de caverna, cueva. El euphonic se toca con agua y pensamos realzar esa característica enfatizando los recipientes donde se coloca el agua.
Como artista e investigador Gregorio Fontaine Correa (a.k.a Gregorio Fontén) explora el vacilar entre la danza y la escucha, en el cual la canción aparece como una resonancia entre cuerpo y entorno. Esta exploración de la canción se ramifica en poesía; cantos, improvisaciones, piano y grabaciones de campo; instalaciones y visuales, el Winka Wayno Sound System, obras plásticas y escritos especulativos. Actualmente Fontén reside en Valparaíso, Chile y desarrolla un proyecto de postdoctorado en el Insituto de Arte de la Universidad Católica de Valparaíso que enmarca la práctica artística del vacilar como una onto-ficción sónica latinoamericana.
Esta obra propone un diálogo entre los espacios de la torre de agua y el estanque. Alguna vez estos espacios albergaron agua y hoy albergan ecos. Se propone conectar estos ecos tal como antiguamente sus aguas se conectaban por tuberías. De esta manera realizar una transferencia de resonancias como una memoria fantasmal de lo que alguna vez fue el traspaso de aguas entre ambos espacios. Por medio de tubos de pvc, amplificación y procesos electroacústicos, se creará un sistema de ecolocación para hacer girar las resonancias entre el estanque y la torre de modo que ambos lugares serán oídos y emisores. En este viaje el sonido girará en espiral transformándose en su paso y haciendo modular la afinación de los espacios el uno en el otro.
Espacios Resonantes es un proyecto de investigación artística, que construye una serie de obras que exploran la dimensión estética, política y social de la "arquitectura aural". La arquitectura aural se define como el diseño de arquitecturas invisibles concebidas desde la escucha, proponiendo nuevas formas de construir narrativas alternativas y subjetivas. El proyecto se desarrolla a partir de una serie de expediciones acústicas por infraestructuras industriales en búsqueda del "sonido del espacio". A partir de esta exploración, se recolecta y analiza material sonoro que luego se traduce en propuestas experimentales en torno a la música, el video, la performance, la instalación, la intervención urbana, la realidad virtual y el diseño sonoro espacial. Espacios Resonantes está conformado por Sofía Balbontín y Mathias Klenner, ambos arquitectos y artistas sonoros, PhD(c) en Artes de la ULisboa y Universidad de Barcelona, respectivamente.
"Arquitecturas del silencio" es una obra que convierte el estanque de agua subterráneo en un laboratorio de experimentación para hacer visible los patrones vibracionales que encierra la cisterna, transformando ésta en un observatorio de fenómenos espaciales invisibles. Las placas de Chladni, utilizadas para visualizar los modos de vibración en una superficie plana, muestran patrones donde la arena se acumula en nodos y líneas nodales, ilustrando las formas de vibración. De la misma manera, el estanque tiene patrones vibracionales propios, representados como una placa de Chladni tridimensional. Cada frecuencia resonante en el estanque corresponde a un modo de vibración distinto, creando una arquitectura aural única, una pieza sonora especialmente creada para apreciar este fenómeno. A través de una intervención lumínica, se podrá visualizar la arquitectura aural del estanque, haciendo visibles sus estructuras de silencio y sonido, utilizando la cimática desde una esfera tridimensional.
Violeta Mayoral (Almería, 1988) es artista residente en Barcelona. Parte de la fotografía como un espacio de autonomía, para entrar y salir de la imagen, desde aquello performático, sonoro o escultórico como metáfora de la mirada. Utiliza el acontecimiento y la escucha como metodología y se interesa por comprender los regímenes de sentido a partir del paradigma de la visión y la experiencia acústica. Actualmente sus investigaciones se centran en las políticas de la atención, la escucha y las materialidades low-tech. Estudió Comunicación en la Universidad de Barcelona con mención en Semiótica en la UNAM. Desde el 2019 su trabajo es representado por la galería ethall, donde ese mismo año llevó a cabo su primera exposición individual. Ha mostrado su trabajo en el MACBA, la Fundación Antoni Tàpies, en la fundación Joan Miró, en el Espacio de Arte Contemporáneo de Castellón EACC, en el Festival Grec, en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía C3A, en el Centro de Arte Contemporáneo de Andalucía CAAC, en Halfhouse, en el Museo Reina Sofía, en La Capella, en el centro de arte Tecla Sala, en la Sala de Arte Joven de Madrid, en la galería Palmadotze y L2.
Volumen es una de las líneas o ejes de investigación que conforman el marco en el que se articula el proyecto TOTAL. TOTAL es un proceso de experimentación artística de largo recorrido que explora los regímenes de atención en los límites de la materialidad sonora. A través de diferentes situaciones de escucha y sus formalizaciones teóricas y prácticas, las piezas que componen TOTAL van integrando los diversos ángulos de la investigación con el fin de proponer la escucha como una herramienta política y profundizar en la forma en la que los regímenes de atención son determinantes en nuestra relación con el mundo. Para esta ocasión Violeta Mayoral se centra en las características acústicas del Estanque Enterrado de Quinta Bella (Recoleta) y utiliza la reverberación y la escucha en el umbral mínimo de audición para experimentar con la percepción de la espacialidad a través del DAP (la diferencia apenas perceptible).
Artista, gestor cultural y archivero de la ciudad de Valparaíso. Su producción se desarrolla en torno a la música experimental, el paisaje sonoro, la improvisación electroacústica y el arte sonoro, focalizando sus investigaciones en las dimensiones estéticas y sociopolíticas del sonido y la escucha. En Sudamérica ha viajado por Argentina, Perú, Ecuador, Bolivia y en Europa por España, Polonia, Francia y Portugal realizando presentaciones en directo, performances, obras experimentales e investigando y recopilando sonidos de los territorios. En Chile es parte del Colectivo NO, proyecto de improvisación ruidista. En España es miembro de LAANG, cuarteto madrileño de electrónica Ambient. Trabaja como Director de SÓNEC: Sonoteca de Música Experimental y Arte Sonoro. Es diplomado en Arte Sonoro por la Universidad de Chile y Máster en Composición Electroacústica y con Nuevos Medios del Centro Superior de Música Katarina Gurska. Madrid, España.
Atonía Circular es una obra en vivo que se construye a partir de la generación de ruido y sonido de drones con señales electromagnéticas provenientes de diferentes dispositivos electrónicos como celulares, radios, computador, tablet, ventiladores, además de cápsulas de guitarra. Mediante procesos de retroalimentación y granulación de sonido, Atonía Circular conecta en la repetición y lo sostenido, en la falta de tono, en el mantra infinito y en la experiencia de escucha en el espacio.
Espacios Resonantes es un proyecto de investigación artística, que construye una serie de obras que exploran la dimensión estética, política y social de la "arquitectura aural". La arquitectura aural se define como el diseño de arquitecturas invisibles concebidas desde la escucha, proponiendo nuevas formas de construir narrativas alternativas y subjetivas. El proyecto se desarrolla a partir de una serie de expediciones acústicas por infraestructuras industriales en búsqueda del "sonido del espacio". A partir de esta exploración, se recolecta y analiza material sonoro que luego se traduce en propuestas experimentales en torno a la música, el video, la performance, la instalación, la intervención urbana, la realidad virtual y el diseño sonoro espacial. Espacios Resonantes está conformado por Sofía Balbontín y Mathias Klenner, ambos arquitectos y artistas sonoros, PhD(c) en Artes de la ULisboa y Universidad de Barcelona, respectivamente.
Sonómetro es una instalación que consiste en un espacio esférico inspirado en los gasómetros industriales, en arquitecturas premodernas como el Cenotafio de Newton del arquitecto Étienne-Louis Boullée, las cúpulas geodésicas del ingeniero Buckminster Fuller, arquitecturas para la difusión sonora como el pabellón Philips de Iannis Xenakis y Le Corbusier y el célebre Kugelauditorium de Karlheinz Stockhausen. Un espacio diseñado para construir acústicas basadas en reflexiones concéntricas y en la espacialización sonora.
Este espacio reverberante aloja en su interior un sistema de espacialización 15.1, especialmente desarrollado para la creación de arquitecturas aurales a través del sonido envolvente multicanal. La obra de Espacios Resonantes ha sido diseñada arquitectónicamente para crear una experiencia inmersiva única de acústicas esféricas, y aloja en su interior dos piezas de espacialización sonora envolvente, compuestas para interactuar con el sonido de este espacio: Ion, 20" (Sofía Balbontín) y Territorios perdidos y encontrados, 20" (Mathias Klenner). Acompañan esta obra una serie de 19 piezas de diversos artistas, que con diferentes estilos han propuesto una forma de conquistar el espacio esférico por medio de la espacialización sonora.
Profesor Asociado (O) del Departamento de Sonido de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Doctor en Música, campo de Composición Musical, por la Universidad Nacional Autónoma de México. Estudió música y composición en Chile, España, Portugal y México. Ha desarrollado música de concierto acústica y electroacústica, participando en festivales en Sudamérica, Norteamérica y Europa. Ha publicado los CDs Música para guitarra (2021); música de barrio (2019); y habitar el tiempo (2012). En el año 2015 publicó el libro y CD guitarrerías. 10 monotemas para guitarra. Y ha compuesto y estrenado las óperas de cámara Titus (2017) en el Teatro Helénico, Ciudad de México; y La isla de los peces (2015) en el Centro Cultural GAM, Santiago. Junto con esto, ha desarrollado su trabajo creativo en el ámbito de las artes escénicas y audiovisuales, componiendo la música y el diseño sonoro de diversas obras de teatro, danza, video danza y video arte.
La obra se dispone como un continuo de fragmentos sonoros que buscan construir diversas formas de esculpir el tiempo; diversos gestos; diversos caminos de acumulación y distensión de energías. Esculturas temporales, compuesta exclusivamente a partir de muestras de contrabajo, toma el sonido como material moldeable, y se propone esculpir sobre él tal como si pudiéramos asirlo, tomarlo, sentirlo con nuestras manos. En definitiva, es un intento en vano de hacer tangible un material efímero como lo es el sonido, del cual no podemos constatar más que la experiencia temporal y espacial que nos deja su fugaz presencia.
Artista sonoro/medial e investigador en el campo de la produccion con nuevas tecnologías, su trabajo se enfoca en desarrollar nuevos campos interactivos y cognitivos en relación con el espectador, así como la representación espacial del sonido y la imagen por medio del uso de interfaces gestuales de control y de performance. En su trabajo aborda distintos aspectos del lenguaje en el arte contemporaneo, como la instalacion audiovisual, la performance y la improvisacion. Fue miembro y coordinador de la Comunidad Electroacustica de Chile CECh del 2015 al 2018. A su ves, ha mostrado sus obras e investigaciones en diversos Festivales en: Austria, Portugal, Colombia, Argentina, Mexico, España, Inglaterra, Francia, Peru y Chile.
The Cholo Feeling es una obra en ambisonics en el ICST en Zurich. La obra busca investigar el encuentro relacional entre una identidad humana y una máquina artificialmente inteligente. En la obra aparecen voces en primer plano, de dialogos entre el autor y su familia, una obra autoetnografica, marcada por su relacion identitaria parcialmente reconstruida por una cultura indigena negada. Es un conjunto de registros técnicos que informan partes de mi identidad, y son llevados a una intersección maquínica a través de un software y datos capturados de mi cuerpo, tal vez para exacerbar la intersección que ya tenían asociada con una identidad que la transcultura y la transfigura. Exacerbar como recurso para aclarar lo que subyace a una identidad y un lenguaje transfigurado que no se percibe con claridad.
José Bica es un artista sonoro e ingeniero de sonido de Barreiro, licenciado en Ciencia y Tecnología del Sonido (Universidade Lusófona, 2015) y máster en Artes Musicales (Universidade Nova de Lisboa, 2017), donde investigó sobre espacios sonoros inmersivos. Su trabajo incluye composición musical, grabación, mezcla y diseño sonoro para performance e imágenes en movimiento (cine, TV, danza, teatro). Productor de ruido, paisajes sonoros y electrónica, actualmente centrado en la música electroacústica. En 2017 recibió la Beca Creativa de la Asociación Out.ra para crear instalaciones inmersivas interactivas y minidocumentales con composiciones musicales originales. Entre 2021 y 2023 produjo piezas de arte sonoro inmersivo como Fragmento (2021) en la Antigua Fábrica de Trenes EMEF por invitación de Out.ra, e Intermita (2023) en la residencia "Ecos de ida e volta" en Nogueira de Côta, Viseu.
"Roles, funciones y degradación" es una composición de arte sonoro y música electroacústica y acusmática que lleva al oyente a un viaje a través de diversos paisajes sonoros en un espacio de constante cambio, movimiento y degradación. Los paisajes sonoros fijos nos brindan perspectivas de planos tridimensionales con profundidad, haciendo que los objetos y sonidos desprendidos de su origen se desplacen a través del espacio, al tiempo que pierden definición para el oído humano y, en consecuencia, parte de su función en el espacio. La naturaleza de los sonidos, sus movimientos de traslación, rotación y cambios de velocidad de los objetos sonoros en la órbita auditiva del oyente pueden poner a prueba nuestro sentido de estabilidad y equilibrio. Esta unión de conceptos implica el estudio del sonido como herramienta, con sus cualidades perceptibles y fenómenos psicoacústicos en el espacio y su temporalidad dentro del espacio mismo. Se enfatiza una conexión intrínseca con la programación del festival brindada por el colectivo "Espacios Resonantes", que se destaca por ser un festival de arquitectura y escucha.
Chileno radicado en Barcelona, especializado en la intersección entre arte y ciencia. Con formación en sociología, ciencias cognitivas y arte sonoro, exploro la relación de la música, el sonido y el ambiente en la formación de consciencia. Mis obras se han distribuido digitalmente y se han presentado en festivales como Fluvial (Valdivia), Mediamorfosis (Valparaíso) y espacios de exhibición como Hangar (Barcelona). Soy cofundador de ECOH en Chile, donde realizo investigación y clases sobre ciencia de los estados no ordinarios de consciencia. Además, desde la consultora de industrias creativas Intangible, he liderado proyectos de análisis de datos en la cultura como el Observatorio Digital de la Música Chilena y el Observatorio Latinoamericano de la Música Independiente.
Con una duración de 6 minutos y 20 segundos, esta obra rinde homenaje al célebre artículo de Thomas Nagel, "What is it like to be a bat?", que reflexiona sobre la dificultad de comprender la percepción de otro ser sin compartir su cuerpo, abordando los límites de lo cognoscible. En el marco de estas ideas, la pieza se inscribe dentro del proyecto "Incognoscible: What is it sound to be a...?", una investigación artística y científica que explora cómo el sonido puede dar forma a la conciencia de "ser algo." En esta ocasión, el enfoque está en el ser del murciélago, uno de los mamíferos más exitosos en su adaptación evolutiva.
Josep Manuel Berenguer es director de la Orquestra del Caos y coordinador del Máster en Arte Sonoro de la UB, donde enseña Psicoacústica y Música experimental. Presidente de Honor de la International Conference of Electroacoustic Music del CIM/UNESCO, Presidente de Quantum Art Lab, miembro de la Académie internationale de musique électroacoustique · Bourges y de la Fundación Phonos, su trabajo electroacústico se orienta a la instalación, al tiempo real y la interactividad.
Tras un estímulo inicial, 8 agentes computacionales se influencian entre ellos en 8 solos, 28 duos, 56 tríos, 70 cuartetos, 56 quintetos, 28 sextetos, 8 septetos y un octeto. Ottetto resulta de un software del propio autor, escrito a partir de la librería Dicy2 (Nika, J., Muller, A., Borg, J., Ostrowski, M., & Assayag, G. Dicy2 para Max. Ircam, 2022). Implementa ocho agentes computacionales improvisadores, cuyo material de base es una serie de grabaciones realizadas por un intérprete humano que improvisó a la guitarra de cuerdas de nylon con otro conjunto de agentes implementados en otra aplicación de improvisación distinta, Autoimpro, también concebida y escrita por el autor, la cual responde con transformaciones de distintos instantes escogidos por mímesis del material con el que se la alimenta durante la ejecución en vivo. De esa manera, la respuesta del guitarrista deviene respuesta a la modificación de su propio pasado reciente, algo que hacemos los humanos habitualmente y que Gabriel García Márquez nos recuerda en Vivir para contarla (2002). "La vida no es la que uno vivió, sino la que uno recuerda y có
Nació en 1988 en Río de Janeiro, Brasil. Se graduó en el departamento de cine de la Pontificia Universidad Católica de Río de Janeiro (PUC-Rio). Maya Dikstein también tiene un MFA de la Academia de Artes y Diseño Bezalel. Actualmente vive y trabaja en Río de Janeiro. Sus obras se centran en el cuerpo humano, juegan con experiencias duracionales y se caracterizan por un cruce entre performance, instalación y sonido. Maya investiga la voz y su relación con el movimiento, los excrementos y la libido. Ha expuesto ampliamente dentro y fuera de Brasil: en el Museo de Arte Moderno (Río de Janeiro), MuseumsQuartier (Viena), Erratum Gallery (Milán), Fondazione Antonio Ratti (Como), Institute for Human Research (Arizona), Instituto Tomie Ohtake (São Paulo), entre otros. Maya ha participado en importantes publicaciones junto con Anri Sala, Tacita Dean y Hans Ulrich Obrist, publicadas por Mousse, Fondazione Antonio Ratti y Gallery On The Move. Dikstein también ha trabajado con los artistas Tino Sehgal y Tunga, y ha actuado en sus piezas respectivamente "These Associations" y "Amber Guests".
La obra reúne cuerdas e hilos tejidos utilizando materiales como hilo dental, algodón, lana y pianos formando "telares sonoros" como instrumentos musicales. Esta pieza está interpretada íntegramente utilizando los telares sonoros artesanales, la respiración de los ejecutantes y el canto difónico. La espacialización sonora en formato Ambisonics, fue hecha en colaboración con Mathias Klenner.
Kiran Arora es un artista de Inglaterra que lleva más de una década componiendo e interpretando música electroacústica y noise. Ha realizado espectáculos en salas, galerías, bares y hogares de toda Europa, Norteamérica y Asia, y ha publicado varios trabajos en solitario y en colaboración en CD y casete. Recientemente ha ampliado su trabajo con sistemas multicanal, incluida una actuación cuadrafónica en LUFF, Suiza, y una instalación de 8 canales en Hangar, Barcelona. Actualmente está cursando un Máster en Arte Sonoro en la Universidad de Barcelona.
Esta pieza fue escrita y diseñada específicamente para Sonómetro. Comienza con una serie de clics, samples y fragmentos de microsonidos que revolotean alrededor del perímetro de la esfera, expandiéndose y variando en material a medida que avanza la pieza, antes de llegar a un denso grupo de tonos extendidos que llenan y giran alrededor del espacio a medida que acumulan energía. He manipulado los diferentes sonidos presentes utilizando una variedad de movimientos de paneo y rotación en múltiples direcciones y velocidades, con la esperanza de crear una mezcla ambisonics dinámica y viva.
Tomás Novoa es un músico y artista sonoro chileno. Su álbum Esfera (2023) fue presentado en la instalación "En Perspectiva" del festival Bright Pulse en Leipzig. En febrero de 2024, interpretó una pieza octofónica para Nanacatepec, un proyecto de cine expandido presentado en el festival Berlinale. En octubre de 2024, adaptó Esfera para una instalación de audio espacial en el festival Mutek en México, como parte de las sesiones Nocturne 360, y también presentó una nueva obra en colaboración con el artista visual Luis Masías en el festival Alud, un festival de cine expandido en Barcelona. Tomás tiene un máster en composición electroacústica de la ESMUC en Barcelona y un título en ingeniería, además de estar cursando un segundo máster en Arte Sonoro en la Universidad de Barcelona, donde está trabajando en su tesis.
Tierra forma parte del álbum desvíos, lanzado el año 2023. Este álbum surge en un proceso de cambio, luego de un largo periodo de crisis creativa durante la pandemia en Chile. Crisis que me motivó para viajar a España en búsqueda de nuevos horizontes creativos. El año 2022 comencé mis estudios de composición electroacústica en la Escuela de Música de Cataluña. En este proceso de aprendizaje surgen mis primeras aproximaciones a la integración entre la música ambiental y distintas corrientes de música electroacústica. Es así como este álbum supone un Desvío, pero en un buen sentido. Un desvío de un camino estéril, de estancamiento, y hacia una nueva dirección.
Jaime Cid Lara (Chile, 1991) es un artista transdisciplinario especializado en composición musical y arte inmersivo, cuyos trabajos incorporan fuertes componentes técnicos y científicos. Se desempeña como director en Austral Games y es miembro del colectivo Canal Alpha, productor del Festival Onda Expansiva y los Ciclos de Artes Mediales, y es actualmente estudiante becado en el Magíster en Artes Mediales de la U. de Chile. Ha expuesto su trabajo en diversas regiones de Chile, y en países como Colombia e Inglaterra. Es creador de Expedición Imaginaria, proyecto que funciona como plataforma para explorar la intersección arte-ciencia-naturaleza de manera colaborativa. Individualmente, su principal proyecto es Organismos Emergentes, en el cual investiga patrones de la naturaleza a través de algoritmos y programación. Con su trabajo, Jaime busca lo oculto en las fronteras entre disciplinas; lo que está situado en la oscuridad.
Lluvias y desbordes metamodernos v2, del año 2024, es un obra sonora de carácter efímero, una adaptación de una pieza instalativa que fue presentada en el XXXIII Festival de Música Contemporánea UC, y que ha sido técnicamente reinterpretada para el Sonómetro, espacio que utiliza ambisonics como formato de audio. Esta pieza enfrenta e híbrida dos objetos: por un lado, lo referente al agua, representado por la lluvia, los ríos y las mareas; y por otro, la ciudad, representada por sus redes, sus infraestructuras y sus sistemas de transporte.
Músico y Gestor Cultural (1995, Arica, Chile), es Licenciado en Artes mención Teoría de la Música por la Universidad de Chile. Cuenta con estudios en Interpretación Musical mención Percusión Orquestal en la misma casa de estudio, y es diplomado en Gestión Cultural por la Pontificia Universidad Católica. Recientemente ha sido becado por Fundación Urdimbre para ser parte del programa de su especialización en arte sonoro Fuera de Foco 2024.
Bullicios es una pieza sonora que explora la temática del habitar urbano, a partir de un relato que conjuga la sonoridad de la ciudad con texturas, capas de diseño sonoro y espacialización. Compuesta para esta convocatoria, la pieza fue espacializada en conjunto con el ingeniero Víctor Muñoz (Manuela Infante, Sello Fisura), sumándose a una serie de piezas que reúnen el interés por la temática del habitar urbano, las cuales serán publicadas por Sello Halcxn el 2025.
¿Qué entienden nuestros sentidos por espacio? ¿Cómo podemos reinterpretar el espacio por medio de la escucha? ¿Es posible diseñar arquitecturas aurales a través del sonido? Esta pieza utiliza la percepción sonora como canal para construir espacialidades líquidas y fluctuantes, que están en constante transformación. Superposiciones de espacios que van emergiendo uno dentro de otro y cohabitando en nuestra imaginación. Es una composición sonora tridimensional, que tiene longitud, altura y profundidad, y que dibuja espacialidades a través del sonido en movimiento. Nuestra percepción humana interpreta la información binaural en una imagen tridimensional, dejándole a la imaginación una interpretación única y personal de lo que es nuestra propia concepción de espacialidad arquitectónica. Ion es un átomo eléctrico que se presenta en esta pieza como una versión a gran escala de las espacialidades atómicas, combinando sonidos eléctricos que contrastan las altas y bajas frecuencias, sonidos sutiles y envolventes, en un dinamismo que vincula diferentes escalas, y que penetran el cuerpo y la conciencia espacial. Compuesta únicamente con un sintetizador Korg MS-20, Ion se presenta como una escultura sonora de exploración geométrica en constante transformación y que revela la naturaleza multidimensional de la escucha.
La oficina de objetos perdidos y encontrados, en edificios públicos, estaciones de tren y aeropuertos, es donde se acumulan los diversos objetos y valijas que pasajeros han dejado atrás en un momento amnésico o de apurado viaje. Es un despacho de curiosidades, de recuerdos, enigmas que han quedado atrás olvidados. Tomando esta figura, "Territorios perdidos y encontrados" construye un archivo de registros sonoros en formato de audio envolvente, de espacios abandonados y territorios a la deriva, lugares que han quedado atrás producto del exacerbado desarrollo tecno-industrial y el extractivismo. Ambientes sonoros de industrias, minas, tanques de petróleo, agua y gas, que a través de un proceso arquitectónico, son dibujados sonoramente en el espacio esférico del Sonómetro. El sonido se vuelve una coordenada espacial que construye arquitecturas auditivas perdidas y encontradas en constante transformación.
Gabriel Vigliensoni es un artista, músico e investigador cuyo trabajo explora las posibilidades creativas de las nuevas tecnologías en la creación sonora y musical. Ha presentado su trabajo artístico e investigación en festivales, organismos y conferencias internacionales como CCA, CMMAS, MUTEK, IKLECTIK, IRCAM, ISEA, NIME, ICMC e ISMIR. Posee un doctorado en Música de McGill University y actualmente es profesor asistente de Inteligencia Artificial Creativa en Concordia University, Montréal.
Antonia Hernández es una artista, investigadora y educadora. Combinando teoría y arte, ella crea dispositivos de investigación para explorar poéticas de gobernanza y relaciones elementales. Ha presentado su trabajo y metodologías de creación extensamente en conferencias, exposiciones y charlas. Su proyecto actual, Hidroficciones, investiga imaginarios en torno al agua, incluidos los financieros. Es doctorada en Comunicaciones en Concordia University y profesora asistente en la misma universidad.
Una Frontera Líquida es una exploración sonora de la gobernanza del agua potable bajo las críticas condiciones ambientales experimentadas en el valle de Petorca (CL). En particular, esta pieza muestra la fricción entre los modelos de manejo del agua que coexisten en la zona: urbano y rural, privado y comunitario. Aunque precario, el equilibrio entre estos dos modelos está actualmente en crisis debido a un nuevo marco legal que amenaza la sobrevivencia de las organizaciones comunitarias, en un escenario donde el riesgo es tanto una amenaza como una oportunidad de inversión. En el centro de este drama está la redefinición de la frontera financiera entre estos dos modelos. En este cruce de aguas, las nociones de valor, temporalidades y escala se perturban y difractan.
Compositor chileno de música electrónica contemporánea, PhD en Composición Electroacústica por la Universidad de Sheffield, Reino Unido. Estudió composición con Rodrigo Sigal y Federico Schumacher en Chile, y con Adrian Moore y Adam Stanović en el Reino Unido. Licenciado en Artes Visuales de la Universidad Mayor, donde estudió con Demian Schopf y Christian Loebell. Trabaja en música acusmática y electrónica en vivo desde 2004. Suele componer para obras de teatro y danza, realizar trabajos interdisciplinarios e instalaciones sonoras basadas en configuraciones de altoparlantes. Sus obras han sido interpretadas en Europa, América y Asia. Es académico en la Escuela de Artes Musicales y Sonoras y en la Escuela de Artes Visuales de la Universidad Austral de Chile. Investiga en torno a la voz, la poesía, el lenguaje y el análisis de obras acusmáticas, tanto en formatos multicanal como estéreo. Recientemente trabaja en acercar la música electroacústica a audiencias de niños y jóvenes.
Esta es la sección final del ciclo octofónico La Lumière Artificielle, que forma parte de mi tesis doctoral. Esta obra agrupa los tres idiomas utilizados en el ciclo: francés, español e inglés. La mayoría de los textos están en inglés, y aquellos en francés y español cuentan con su versión en inglés dentro de la pieza, por lo que no es necesario traducirlos ni proporcionar una transcripción. El ciclo completo está inspirado en el poeta de vanguardia chileno Vicente Huidobro. En una entrevista de 1919, Huidobro habló sobre un nuevo proyecto: "El poema creacionista y simultaneísta La Lumière artificielle, para tres voces en gramófono con nuevos procedimientos (...)". Este plan nunca se realizó. En el futuro, el poeta crearía obras con el sonido como eje central y en español y francés, convirtiéndose en una referencia importante para la poesía sonora en el mundo hispanohablante.
Jeesoo Hong (1991) es una artista coreana que actualmente reside en Colonia, Alemania. Se graduó en la Academia de Artes de los Medios de Comunicación de Colonia en 2023 con un enfoque en el arte sonoro. A través de sus proyectos situacionales, continúa explorando diversos medios, incluidos el dibujo, la instalación, la performance, el sonido y la caminata.
A lo largo de las paredes, que en conjunto forman el Sonómetro, se han colocado 16 altavoces a intervalos, y cada altavoz puede imaginarse como un agujero en la pared que se abre al mundo exterior. Un agujero es una abertura hacia el exterior a través de la cual se puede percibir acústicamente más allá de la pared. "El camino que conduce hasta el cuarto de ducha del cuidador" adapta la documentación de la reproducción de sonido en una escalera cerrada al espacio esférico. La escalera existente conduce al sótano, donde se puede encontrar un cuarto de ducha privado. Mi composición combina el zumbido electrónico del cuarto de ducha, los pasos y los sonidos plantados dentro de la escalera. El movimiento vertical inicial (alguien que baja por la escalera desde su entrada hasta el cuarto de ducha y luego asciende de nuevo hasta la entrada) se transforma en un movimiento cíclico.
Lucas Fuentes Vergara es un sonidista y compositor chileno especializado en sonido inmersivo y acústica de salas. Ha trabajado en el diseño e implementación de estudios de audio inmersivo, diseño sonoro de videojuegos, y música acusmática y de videojuegos. En la composición, tiene un especial interés en la exploración de la electroacústica en un estilo acusmático.
Un dado roído es una pieza que compuso para el recientemente establecido AcusmaLab dentro de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, un estudio con la capacidad de reproducir ambisonics en tercer orden. El título viene de un poema de César Vallejo, Los Dados Eternos, y tiene un estilo acusmático inspirado por el compositor y profesor Federico Schumacher. La gran mayoría de la pieza consiste de una fuente sonora particular que se transforma y desfigura y cuyas propiedades orientan tanto la estructura de la pieza en general como cada célula musical emergente.
Óliver Éric Vinent Cardona ( Menorca 1992) es artista sonoro y organista enfocado en la tecnología, la experimentación sonora y el ruido. Ha realizado residencias en Phonos (Barcelona, 2022) y Es Far Cultural (Menorca, 2021), desarrollando proyectos que exploran la relación entre generación de sonido y el mundo digital. Su obra se ha presentado en festivales como Sonar +D, Illes d'Art, Zeppelin y las Jornadas Internacionales de Música Electroacústica, donde ha estrenado piezas caracterizadas por una compleja espacialización sonora, con versiones para 24 altavoces, y el uso de autómatas digitales inspirados en teorías matemáticas de Stephen Wolfram y Benoit Mandelbrot. Además, ha colaborado en proyectos de música contemporánea y producido conciertos de música clásica, mostrando su interés en la electroacústica, la improvisación en tiempo real y el mundo del órgano. Su obra discográfica incluye OE - COMPOSICIONES (2018/2021), editada por Viajero Inmóvil Experimental.
"Topografía de una realidad fragmentada" es una obra que invita a sumergirnos en el umbral entre lo consciente y lo inconsciente, revelando una geografía sonora imaginaria donde lo orgánico y lo digital convergen. La pieza explora la disolución y reconfiguración del sonido en un espacio envolvente fragmentado en partículas sonoras que se dispersan y reagrupan mientras emergen en un mar de pulsos aleatorios. Estas fisuras en la continuidad auditiva desafían toda identidad original y dan paso a un espacio de tensión que se desmorona en destellos de ruido.
Ingeniero de sonido y artista sonoro, La formación académica de Edgardo (a.k.a. Gomess) comenzó con un grado en acústica, donde adquirió conocimiento fundamentales sobre el comportamiento de las ondas sonoras en el espacio y los principios fundamentales de la psicoacústica. Posteriormente, su desarrollo artístico lo llevo a profundizar este interés especializándose en la creación de experiencias auditivas inmersivas utilizando tecnologías avanzadas como Ambisonics, Wave Field Synthesis, IKO y Dolby Atmos. Como artista sonoro, Edgardo trabaja en la valorización del patrimonio sonoro a través del arte y la investigación académica. Su enfoque interdisciplinario le permite crear proyectos que conectan el pasado con el presente, utilizando el sonido como herramienta para repensar nuestra percepción del entorno y su impacto en la experiencia humana.
La obra, con una duración de 10 minutos, es un viaje sonoro que explora las sutilezas de la percepción acústica en relación con la acústica ecológica. Construida a partir de una cuidada selección de grabaciones de campo realizadas durante los últimos años, la pieza se aleja deliberadamente de las técnicas de síntesis sonora granular para centrarse en los paisajes sonoros reales y sus componentes espaciales intrínsecas. La pieza aprovecha el formato ambisonics de tercer orden para sumergir al oyente en un entorno tridimensional donde cada grabación encuentra su lugar en el espacio, evocando tanto la intimidad de los detalles sonoros como la vastedad de los paisajes que los contienen. A través de una composición que respeta y amplifica las características espaciales de las grabaciones originales, el trabajo invita a reflexionar sobre cómo habitamos y percibimos el mundo sonoro que nos rodea, subrayando el papel de la escucha en nuestra conexión con el entorno.
Julia Bejarano, Bogotá-Colombia. Artista y compositora. Se ha interesado en generar experiencias de escucha en torno al ser/habitar acusmático y poético explorando dos espacios-tiempos: el concierto electroacústico y la instalación artística. Con un interés fundamental por la materia, el espacio y la escucha igualmente se ha dedicado a la composición de música acusmática creando piezas complejas utilizando contrastes entre sonidos muy diferentes y jugando con aspectos sonoros como la escala, la distancia, la gravedad y la textura para generar sistemas morfológicos y ecosistémicos con diversas profundidades. Ha participado en eventos artísticos y musicales en Colombia, España, México, Francia, Perú, Bolivia, Italia, Cuba, Alemania, Países Bajos, Venezuela, Argentina, Estados Unidos y Panamá. Actualmente explora la poesía espacializada, los sonidos ordinarios y su simbología, la arqueoacústica y el fenómeno acústico de la resonancia.
Trayectoria inexorable es una pieza que avanza pero nunca llega. Flota lentamente en un proceso orientado a una dirección que solo cambia sutilmente conservando su naturaleza textural lineal. Hay una intrínseca previsibilidad o "pre-escucha" de un no fin en una sola pieza uniforme y delimitada en el tiempo. Inexorable significa que no se puede evitar, no puede eludir seguir a la par que se profundiza en una múltiple disposición de sonidos en el espacio, tanto el interno del sonido mismo como el del espacio de proyección externa del Sonómetro. Estas sonoridades rememoran y se extrañan al mismo tiempo en un ecosistema móvil y estático que no podemos asir completamente. Sonidos biológicos, geológicos, sintéticos y antropológicos se entretejen íntimamente creando entre la aleatoriedad de elementos y armónicos resonantes que evolucionan lentamente, una sensación intensa de trayectoria inexorable.
Ingeniero y Artista Visual-Sonoro afincado en Barcelona desde 2004. Su trabajo abarca desde la intervención en espacios arquitectónicos con elementos sonoros y visuales (luz, vídeo, sonido espacial) a través de las nuevas tecnologías, diseño de espacios digitales y arte virtual para VR/AR, videoarte, diseño de conceptos y experiencias, diseño sonoro, composición musical para artes escénicas y proyectos musicales. Trabaja con MAXMSP, Touchdesigner y Unreal Engine. En campos sonoros utiliza sintetizadores modulares, grabaciones de campo, pedales de efectos, feedbacks, procesamiento de señales y procesos digitales.
turmoil/ˈtəːmɔɪl/noun.a state of great disturbance, confusion, or uncertainty. Turmoil se refiere a un estado de agitación intensa, confusión o desorden. En un contexto emocional o psicológico, que representa un conflicto interno donde se experimentan emociones encontradas y ansiedad. La sensación de caos o fragmentación interna mediante sonidos disonantes, ritmos irregulares o el uso de texturas ruidosas, como los drones, los feedbacks o las capas de sonido caóticas que sugieren un desequilibrio como la resonancia emocional de la situación en forma de sonidos constantes de tensión en contraste con los sonidos de la vida cotidiana que se ven interrumpidos o teñidos por el conflicto bélico colonialista. Turmoil es la segunda parte de esta serie. La primera fue Aftermath expuesta en la primera edición de este festival. Estas obras se encuentran dentro del marco de Imaginary landscapes en donde las piezas son especulaciones digitales sobre fenómenos sonoros en un contexto de música y sonidos contundentes procedentes de técnicas acústicas y concretas basadas en brutalismo y noise/drone.
Compositor e investigador de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile Estudios en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, Francia y Canadá. Doctor en Música (Universidad Federal de Minas Gerais, Brasil). Como compositor se ha dedicado a la composición de obras acusmáticas, por lo que ha recibido diversos premios y distinciones en Chile y en el extranjero. Como investigador se ha interesado por la historia de la música electroacústica en Chile y por la cognición musical relacionada con la experiencia musical acusmática. Ha dirigido y participado en proyectos de investigación financiados por la Agencia Nacional de Investigación y Desarrollo (ANID) de Chile, y el Fondo Nacional de la Música del Ministerio de las Culturas y las Artes.